Si partimos de una concepción tradicional del arte y sus formas de expresarse, concluiremos que las artes existen de manera constante, y que nunca alcanzan un final. Cada arte explota una serie de recursos intrínsecos a sí mismo. Cuando los ha desarrollado en sus máximos detalles y ha agotado hasta sus más nimios fractales, recurre a otras artes para experimentar con los lenguajes híbridos. Pasada la fase de la mezcla y del intento natural de conseguir ser la Gesamtkunstwerk (obra total que condensa en sí misma al resto de las artes) descrita por Wagner, las artes recurren a una reinterpretación de sus lenguajes originales a través de un formalismo contemporáneo, destinado a evitar su desaparición.

Ciertas expresiones artísticas, con una tradición cultural superior a los dos milenios, alcanzan un desarrollo y una explotación tan enorme de sus características y lenguajes que comienzan a desarrollarse fuera de sí mismas, de modo que destruyen sus características esenciales y crean un nuevo ente, que no obstante guarda la suficiente cercanía con el arte original, de manera que en numerosas ocasiones se le considera como una faceta más del propio arte.

El teatro ha superado también esta última fase. Hasta finales del siglo XIX, las diversas corrientes y el uso de los diferentes lenguajes del teatro surgieron a través de las variadas reinterpretaciones y sucesivas jerarquizaciones de las tres unidades aristotélicas: espacio, tiempo y acción (aunque no obstante, también surgieran nuevas expresiones, como la Comedia Del Arte). Si para los griegos lo ideal era utilizar un solo espacio, un día, y dar protagonismo a la acción, dirigida por una peripecia (acto que desencadena la tragedia) y un fátum (destino funesto) hacia un pathos final; para los románticos el tiempo y el espacio se multiplicaban, y junto a la acción, se subordinaban a la intencionalidad y los deseos del ‘yo’ del autor.

En la percepción del espectáculo teatral, hasta finales del siglo XIX, también se producía una constante: el arte dramático se mostraba como teatro. El público buscaba bellas declamaciones y la exhibición de los actores, que con sus clichés y sus gestos explicitaban el teatro. Con el realismo y el naturalismo, vino el primer gran cambio en la concepción del espectáculo del teatro. El arte de Tespis pasó a negarse a sí mismo, y comenzó a intentar que el espectador percibiera una realidad virtual, realista y sicológicamente compleja, en vez de contemplar una obra de teatro. Esta alteración permitió al arte escénico explotar nuevos recursos, que no obstante, aún formaban parte de sus características naturales, de su propio arte.

Tras 24 siglos del arte dramático occidental explotando sus recursos, con el siglo XX llegaron de manera sucesiva pero casi simultánea los dos procesos consecutivos de renovación de una expresión artística: la hibridación con lenguajes procedentes de otras artes y la mutación del arte original en una forma nueva pero cercana a la primitiva

Se podría considerar a la Ópera como la primera apuesta por conjugar todas las artes, y como un primer tipo de teatro que busca otros lenguajes. Sin embargo, normalmente la sensibilidad artística que el género favorito de Wagner explota tiene más que ver con la poesía, la danza y la música, que con el teatro. La irrupción salvaje de las vanguardias de comienzos de siglo XX trajo consigo la incorporación al teatro de técnicas procedentes de otras artes. Esto se notó particularmente a través de la incorporación de la música y del cine al teatro. Lo desarrolló de manera perfecta el creador del drama épico alemán, Piscator. Al incluir proyecciones cinematográficas en sus representaciones consiguió, por más que le pesen a teóricos como Ricciotto Canudo, afirmar momentáneamente que el teatro (y no el cine) era ese “arte total” que podía aglutinar a todas las demás en sí mismo.

Parejo a esta mezcla de lenguajes se produjo la creación de la performance. El teatro se desnudó y dejó de esconderse, para convertirse en un arte que muestra su infraestructura, que en vez de representar una obra, presenta al espectador una acción. Esta acción no es llevada a cabo por unos personajes, sino por personas que no siguen un guión definido, sino que buscan transmitir un discurso concreto. La performance es teatro, pero sin lo que tradicionalmente era entendido como tal. Esta modalidad artística se consolidó con fuerza como respuesta a la paradoja descrita por Sartre sobre la imposibilidad de combinar a la vez fondo y forma progresista, o fondo y forma conservadora. La performance permitió, al menos hasta que explotó también todos sus recursos, la utilización de una forma progresista (regida por una sintaxis nueva), con un discurso en la mayoría de las ocasiones también progresista (de crítica social).

Sin embargo, nos encontramos en el siglo XXI con un arte, el teatro, que ya ha explotado hasta sus más mínimos lenguajes secundarios, que se ha mezclado hasta desdibujarse en performances, que ha intentado redescubrirse a través de la reformulación de sus clásicos y que ya se ha agotado. Si sobrevive es gracias a la repetición de fórmulas. No crea nada nuevo. Si partiéramos de la definición de arte como la suma de forma y fondo para crear un sentido único y distinto a otro, el teatro ya no sería considerado como arte. Ha entrado en una fase en la que, al igual que muchas de las artes plásticas, depende de los avances de la tecnología para crear nuevos lenguajes, porque por sí mismo ya ha dado todo de sí.

Así podemos definir dos posibles conclusiones. Una posibilidad es que las artes realmente puedan morir, en cuyo caso el teatro podría decirse que ya está muerto como arte, pero que mantiene su existencia como producto de ocio, o como manifestación de la cultura occidental. La otra consiste en afirmar que las artes son eternas, en cuyo caso concluiremos que el teatro continúa siendo arte, pero condenado a la eterna repetición de sí mismo.

 

Germán Esteban Espinosa.

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Acerca de jorgevf88

Me gusta el cine, el teatro, la literatura, los deportes, la música desde Abba a ZZtop. Busco la verdad constantemente.

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